Disparue à Tokyo le 14 août à l'âge de 97 ans, Yayoi Kusama a transformé une obsession en langage artistique. Pendant plus de sept décennies, l'artiste japonaise a fait de la répétition, de la couleur et de l'infini une réponse à ses hallucinations — et l'une des œuvres les plus reconnaissables de l'histoire de l'art contemporain.

Chez Yayoi Kusama, tout commence par une peur. Une peur si immense qu'elle finira par recouvrir le monde de pois.&nbsp;Née en 1929 à Matsumoto, au Japon, au sein d'une famille aisée et conservatrice, Kusama voit ses premières hallucinations apparaître vers l'âge de dix ans. Les fleurs semblent l'engloutir, les motifs se multiplient à l'infini, les surfaces disparaissent sous une répétition incontrôlable. Pour ne pas se laisser absorber par ces visions, elle dessine. "Si ce n'était pas pour l'art, je me serais tuée depuis longtemps", confiera-t-elle plus tard. Ce qui n'était au départ qu'un geste de survie deviendra l'une des œuvres les plus influentes du XXe siècle.

<h3 class="w6asjq_TextBase GgxHUa_Title PDq2pG_selectionAnchorContainer" data-d-component="title" data-d-size="lg" data-d-weight="semibold">Des hallucinations aux "Infinity Nets"</h3>
Après des études de peinture nihonga à Kyoto, Kusama s'éloigne rapidement des traditions japonaises pour explorer l'abstraction. Mais c'est New York, où elle s'installe en 1957, qui lui offre véritablement un langage et un public.&nbsp;En octobre 1959, la&nbsp;Brata Gallery accueille sa première exposition personnelle américaine. Le public découvre alors les Infinity Nets, d'immenses toiles couvertes de réseaux de points et de lignes répétés jusqu'à donner l'impression que le regard ne trouvera jamais de point d'ancrage.&nbsp;La répétition n'est pas un effet décoratif. Elle est la traduction directe de ses visions. "Les pois sont une voie vers l'infini", expliquait-elle, voyant dans leur prolifération une manière de dépasser les limites du temps, de l'espace et de l'ego.
<h3 class="w6asjq_TextBase GgxHUa_Title PDq2pG_selectionAnchorContainer" data-d-component="title" data-d-size="lg" data-d-weight="semibold">Quand l'avant-garde descend dans la rue</h3>
En 1963, avec Aggregation: One Thousand Boats Show, Kusama déplace son obsession de la toile vers l'objet. Une barque recouverte de centaines de formes phalliques en tissu transforme l'angoisse sexuelle en geste ironique et critique ouvertement le machisme du monde de l'art.
Sa notoriété explose ensuite dans les rues de Manhattan, où elle organise des happenings aussi provocateurs que politiques.&nbsp;Puis vient l'un de ses gestes les plus célèbres.
En 1966, sans y être officiellement invitée, elle s'installe devant le pavillon italien de la Biennale de Venise et dispose des centaines de sphères miroir sur la pelouse. L'installation, baptisée Narcissus Garden, est accompagnée d'une pancarte : Your Narcissism for Sale. Elle propose de vendre chaque sphère aux visiteurs pour quelques lires, brouillant les frontières entre performance, critique du marché de l'art et participation du public.
<h3 class="w6asjq_TextBase GgxHUa_Title PDq2pG_selectionAnchorContainer" data-d-component="title" data-d-size="lg" data-d-weight="semibold">Les chambres où l'espace disparaît</h3>
À partir de cette période, Kusama ne cessera d'inventer des œuvres qui demandent au visiteur d'entrer physiquement dans l'expérience.&nbsp;Ses célèbres Infinity Mirror Rooms — ces pièces tapissées de miroirs où les lumières semblent se multiplier à l'infini — deviennent progressivement sa signature mondiale. Des installations comme Gleaming Lights of the Souls abolissent les repères spatiaux et donnent l'impression de flotter dans un univers sans commencement ni fin.&nbsp;Autour de ces espaces immersifs revient toujours le même vocabulaire visuel : les pois, les champignons et, surtout, les citrouilles.
Dans son autobiographie "Infinity Net", l'artiste raconte son attachement presque affectif à ce légume peu valorisé au Japon. Elle y admire sa silhouette généreuse, son humilité et ce qu'elle appelle son "équilibre spirituel". Ces citrouilles deviendront, au fil des décennies, l'un des motifs les plus iconiques de son œuvre.
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<h3 class="w6asjq_TextBase GgxHUa_Title PDq2pG_selectionAnchorContainer" data-d-component="title" data-d-size="lg" data-d-weight="semibold">Louis Vuitton, ou l'art à l'échelle du monde</h3>
En 2012, Marc Jacobs, alors directeur artistique de Louis Vuitton, invite Yayoi Kusama à réinventer l'univers de la maison à l'occasion de sa rétrospective au Whitney Museum of American Art de New York.&nbsp;Cette première collaboration marque les esprits.
En 2023, le dialogue prend une dimension spectaculaire. Les vitrines des flagships Louis Vuitton se couvrent de pois géants. À New York, un automate à son effigie peint inlassablement les célèbres motifs sur les vitrines ; à Paris, une gigantesque Kusama semble surgir du toit du magasin des Champs-Élysées ; à Tokyo, des sculptures monumentales investissent les façades, tandis qu'à Milan, l'intervention s'étend jusqu'à la Piazza San Babila. La mode devient alors le prolongement naturel de son langage artistique.

"Toute ma vie est peinte ici. Chaque jour, un jour quelconque. Je ne cesserai jamais de consacrer toute ma vie à l'amour que je porte à l'univers. Ô mon art adoré. Dans le défi de créer un art nouveau, je travaille comme quelqu'un qui est en train de mourir ; ces œuvres sont tout ce que je suis."&nbsp;— Yayoi Kusama

<h3 class="w6asjq_TextBase GgxHUa_Title PDq2pG_selectionAnchorContainer" data-d-component="title" data-d-size="lg" data-d-weight="semibold">Une reconnaissance tardive devenue mondiale</h3>
Si Kusama est aujourd'hui une superstar de l'art contemporain, cette reconnaissance est venue relativement tard.&nbsp;En 1989, deux grandes expositions personnelles à New York et à Oxford marquent le début de sa réhabilitation institutionnelle. En 1993, elle représente officiellement le Japon à la 45ᵉ Biennale de Venise, consacrant définitivement sa place sur la scène internationale.
À partir de la fin des années 1990, ses expositions attirent des foules records.&nbsp;Les réseaux sociaux amplifieront encore ce phénomène : ses Infinity Rooms deviennent parmi les œuvres les plus photographiées au monde. Des rétrospectives voyagent entre Madrid, Paris, Londres et New York, tandis que l'exposition Infinite Obsession dépasse les deux millions de visiteurs en Amérique latine.&nbsp;En 2016, le magazine Time la classe parmi les cent personnalités les plus influentes de la planète.
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Même après sa disparition, son œuvre continue son voyage. La grande rétrospective européenne inaugurée en 2025 à la&nbsp;Fondation Beyeler, en Suisse, poursuivra son itinérance jusqu'au Stedelijk Museum d'Amsterdam, où elle ouvrira ses portes le 11 septembre 2026.

<h3 class="w6asjq_TextBase GgxHUa_Title" data-d-component="title" data-d-size="lg" data-d-weight="semibold">"Toute ma vie est peinte ici"</h3>
Depuis 1977, Yayoi Kusama vivait volontairement dans un hôpital psychiatrique de Tokyo, rejoignant chaque jour son atelier voisin pour continuer à peindre. Jusqu'à ses derniers jours, elle n'a jamais cessé de créer. Son studio a confirmé qu'elle avait gardé son pinceau en main jusqu'à la fin, fidèle à sa conviction que l'amour et l'art pouvaient encore offrir de l'espoir au monde. Ses pois n'étaient donc jamais de simples motifs. Ils étaient une manière de tenir debout.

Yayoi Kusama et l'art comme thérapie : "Les pois ? Une voie vers l'infini"

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