Rode oortjes en gebroken hartjes zijn in 2026 niet te vermijden, zelfs als je streamingalgoritme hardnekkig weigert om zeemzoete romcoms te serveren, want dit jaar ontkom je simpelweg niét aan melodramatische kostuumfilms.

Het regent nieuwe adaptaties: Margot Robbie werpt zich in&nbsp;Wuthering Heights&nbsp;in de armen van Jacob Elordi, de&nbsp;Bridgerton roddelmachine draait opnieuw op volle toeren, Daisy Edgar-Jones kruipt in de huid van&nbsp;Sense &amp; Sensibility’s Elinor Dashwood, en Jessie Buckley schittert in&nbsp;The Bride&nbsp;als een glamoureuze zombiebruid uit de jaren dertig. En dat terwijl we nog maar net hersteld zijn van vurige verkleedpartijtjes als&nbsp;Frankenstein,&nbsp;Nosferatu,&nbsp;The Leopard,&nbsp;Downton Abbey 3 en Miss Austen.&nbsp; Kostuumdrama’s zijn van alle tijden, maar de laatste jaren schudden ze hun stoffige imago resoluut van zich af. Ze raken een gevoelige snaar, ook bij wie de neus ophaalt voor passionele kusscènes in de regen, want zowel de thematiek als kostuums resoneren opvallend met de gemoedstoestand van nu. En dat ook designers in the mood zijn voor drama en hartstocht, blijkt uit de collecties voor zomer 2026. Zelfs mainstream mode zwicht: Pinterest noteert voor 2026 een ongeziene stijging in zoekacties naar kanten jurken, capes, broches, volumineuze silhouetten en sluiers. Het genre is relevanter dan ooit, en historische accuraatheid maakt steeds vaker plaats voor een brutaal vleugje moderniteit. Twintig jaar geleden fronsten wenkbrauwen toen Kirsten Dunst in&nbsp;Marie Antoinette&nbsp;paarse Converse droeg op&nbsp;I Want Candy van Bow Wow Wow, vandaag is het perfect acceptabel dat Margot Robbie in een fifties silhouet door een 17de-eeuws decor huppelt op de tonen van Charli XCX. Ook&nbsp;Bridgerton, vaak gezien als startschot van regencycore, mixt schaamteloos vroeg-19de-eeuwse mode (de echte Regency) met Victoriaanse, 17de-eeuwse en hedendaagse invloeden. Die anachronismen zijn geen gimmick, maar een brug: ze verankeren het verleden in het heden.

<h3 dir="ltr" style="text-align: justify;">All the feels</h3>
Het is niet zomaar een toeval dat de personages in kostuumdrama’s het liefst bij stormachtig weer over één of andere hei galopperen. Vaker dan niet zijn ze ergens voor op de vlucht, hun hoofd en hart zit standaard in de knoop, en ze voelen vooral héél véél emoties.&nbsp; Klinkt bekend? We leven in woelige tijden, midden in een polycrisis waarin vertrouwde structuren afbrokkelen en grenzen vervagen. Identiteit is geen vast gegeven meer, maar een individuele zoektocht, bemoeilijkt door een constante stroom aan prikkels en informatie. Comfortabel is dat allerminst, weinig verwonderlijk dus dat de meesten het liefst in een ander universum zouden wegvluchten. Kostuumdrama’s bieden tegelijk escapisme én ontlading. Ze voeren ons naar een wereld die ogenschijnlijk eenvoudiger en mooier is -op een gewelddadige leenheer of een rampzalig verstandshuwelijk met een 30 jaar oudere burggraaf na dan …- Tegelijk fungeren ze als een uurtje impliciete therapie, en kostuums spelen daarin een sleutelrol: ze maken deel uit van het narratief, weerspiegelen karakterontwikkeling en lotswendingen, maar bieden ook buiten het scherm een esthetisch vocabulaire om abstracte gevoelens als angst, nostalgie, woede of hoop vorm te geven. De historische afstand laat toe om thema’s als gender, macht en ongelijkheid te onderzoeken zonder ze expliciet te benoemen. Hoe sterker de emotionele resonantie, hoe groter het succes. En waar emoties floreren, volgt retail therapy vanzelf.
Voor costume designers is het balanceren tussen trouw aan het historische kader én een emotionele connectie maken met een hedendaags publiek. Hun geheime wapen? Pastiche. Moderne stoffen, actuele pasvormen, eigentijdse styling en zelfs product placement doorbreken de illusie en schudden de kijker nu en dan wakker. Net dat hybride karakter verklaart waarom de esthetiek zo vlot doorlekt naar de mode-industrie. De historisch incorrecte looks vormen ook een dankbare ideeënvijver voor zelfexpressie. En dat is belangrijk, want sociologen zijn het erover eens dat identiteit in 2026 een cultureel strijdtoneel wordt. Mensen bepalen zelf wie/wat/hoe ze willen zijn als antwoord op polarisatie en de inperking van vrijheden wereldwijd. Kostuumdesign weerspiegelt dat door historische silhouetten los te koppelen van hun oorspronkelijke betekenissen: korsetten worden symbolen van kracht, jurken zijn genderloos, uniformen verliezen hun autoriteit. Zo visualiseert het een cultuur waarin identiteit niet vastligt, maar wordt geënsceneerd en heronderhandeld. Dé manier, dus, om te rebelleren tegen witte oude mannen die angst zaaien en willen bepalen hoe je je leven moet leiden? De (verkleed)koffer in duiken! En er is voor elk wat wils, van glamoratti tot dark romance, van regencycore tot fantasy – elk op hun manier gekenmerkt door specifieke emoties en verborgen boodschappen.&nbsp;

<h3 dir="ltr">Glamoratti</h3>
Trait marquant ? L’interaction entre la philosophie des années 80 et le XIXe siècle, même si ce rapprochement ne semble pas évident. Et pourtant, les eighties se distinguent comme l’ère du power dressing. Les femmes ne semblaient craindre personne, fortes de teintes métallisées, d’épaulettes massives, de chevelures vertigineuses et d’accessoires dorés imposants. Les initiés parlent aussi du "style boom boom" ou "glamoratti", qui érige l’excès et la décadence en armure dans un monde d’incertitude financière. Quand on injecte cette esthétique dans un écrin historique fait de brocarts somptueux et de minaudières incrustées de perles, le feu d’artifice est total. Si Jacqueline Durran, costumière de Hurlevent, mêle références historiques et bravoure moderne, ses créations s’inscrivent incontestablement dans cette catégorie "loud &amp; proud" d’affirmation de soi, avec, en points d’orgue, la désormais célèbre robe rouge en latex et la robe en tissu noir bleuté aux reflets lunaires. Sur les podiums de la saison printemps-été 2026, le même phénomène s’observe chez Anthony Vaccarello pour Saint Laurent, qui présente des robes sculpturales en nylon, inspirées par les mondaines de la Belle Époque et la description légendaire de la femme YSL par Françoise Giroud : "louche le jour, comtesse la nuit". Chez Thom Browne, Balenciaga, Versace et Gucci, les silhouettes volumineuses et les manches statement dominent également. La mode s’impose comme un phare rassurant en ces temps obscurs. Il suffit d’enfiler un manteau massif pour que plus rien ne puisse nous atteindre.

<h3 dir="ltr">Dark romance</h3>
A contrario, d’autres créateurs optent délibérément pour l’ombre. Les nouvelles adaptations cinématographiques de Frankenstein et Dracula marquent l’avènement d’un énième renouveau gothique. Les costumes signés Kate Hawley pour Frankenstein font l’unanimité, portés par la performance magistrale de Mia Goth dans un double rôle. Elle apparaît en figure maternelle drapée de robes et voiles rouge vif, telle une superbe rose sur le point de se faner car, fidèle au genre, elle connaît une fin prématurée et impitoyable. Le contraste avec le vestiaire de l’actrice dans le rôle de l’amante de Frankenstein est saisissant, entre looks emplumés, imprimés botaniques et matières fluides en odes à la vie. Cette tension entre beauté et fugacité a quelque chose de libérateur, estime Benjamin Voortmans, mieux connu·e sous son label Judassime. À travers son style singulier, iel entend renforcer la résilience en embrassant la part d’ombre de l’existence. Sa collection Lost Highway, présentée pour ses débuts à la Fashion Week de Paris, explore la reconstruction de soi après un traumatisme en jouant sur le contraste entre la soie et le cuir, métaphores de la vulnérabilité et de la force. Pour ses débuts à la tête de Maison Margiela pour la saison automne-hiver 2025, Glenn Martens a lui aussi exploré le contraste entre la vie et la mort. Sa collection regorgeait de silhouettes gothiques et spectrales, et de créations en patchwork à base de matières en apparence décomposées – à l’image d’un Frankenstein portable. La Dark romance ne s’enferme d’ailleurs dans aucune époque précise, préférant évoluer dans une joyeuse ambiance macabre entre influences victoriennes, gothiques et contemporaines. Preuve supplémentaire avec McQueen, Rick Owens, Richard Quinn, Collina Strada et Emilia Wickstead, que celui qui apprivoise les ténèbres n’a plus de raison de craindre le noir.&nbsp;

<h3 dir="ltr">Regencycore</h3>
À l’opposé, le Regencycore brandit avec ironie une féminité empreinte de douceur. Les adaptations libres de l’œuvre de Jane Austen, portées par le succès phénoménal de La Chronique des Bridgerton, déclenchent une déferlante de coupes Empire, tons pastel, nœuds, paillettes et dentelles. Un dressing sous dopamine, qui s’étend désormais aux crinolines, corsets et chapeaux audacieux. Un univers esthétique et apaisant où l’on prend plaisir à s’évader. Pourtant, derrière cette naïveté candide de façade se déploie un authentique plaidoyer féministe. De la même façon que Bridgerton, qui semble axé sur la quête d’un mariage de raison stratégique, prône, en filigrane, l’épanouissement sexuel. On comprend dès lors pourquoi la lingerie, la transparence et la séduction&nbsp;y occupent une place centrale: des somptueux pyjamas de soirée de Louis Vuitton à la robe à baleines transformable de Julie Kegels, en passant par les nuisettes upcyclées de Bernadette et les looks de boudoir de Simone Rocha. Cette dernière a poussé l’audace jusqu’à faire défiler ses mannequins avec un oreiller en soie. Si les créateurs tempèrent le kitsch du petit écran, le message reste inchangé: de la douceur, mais sans aucune naïveté.
<h3 dir="ltr">High fantasy</h3>
Gros plan, pour terminer sur la "fantasy", le graal de l’évasion. Avec la sortie de Dune:&nbsp; Le Messie et The Hunger Games : Sunrise on the Reaping, l’année 2026 promet deux poids lourds du genre. Les stars qui composent leur casting -­ Zendaya, Elle Fanning, Florence Pugh, Anya Taylor-Joy - sont connues pour adopter les looks de leur personnage jusque sur le tapis rouge. Cette stratégie connue sous le nom de "method dressing" ne manquera pas de renforcer la popularité de cette esthétique. Les mots d’ordre ? Des détails historiques, des références mythologiques, des draperies, des capes, des pièces métallisées et des accessoires surréalistes, le tout entremêlé d’équipements de survie (survival gear). Un spectacle qui transcende la réalité tout en la disséquant. Car la connotation écologique est indéniable : explorer des galaxies alternatives devient une nécessité si notre propre monde finit par s’effondrer. Schiaparelli prend la tête de ce convoi surréaliste, tandis que Valentino, Ferragamo, Lanvin, Tove et Ahluwalia lui emboîtent le pas avec des collections qui ne dénoteraient pas dans des steppes extraterrestres. Ce thème a littéralement explosé lors des défilés haute couture de janvier, où Ashi Studio, Robert Wun, Valentino et Gaurav Gupta ont tous joué la carte de la royauté galactique. Le créateur de mode indien a même ouvert son défilé sur le Big Bang avec un mannequin dont seul le visage était illuminé. Un feu d’artifice ! Conclusion : que vous soyez ou non adepte des romances théâtrales, cette saison, la mode promet de faire palpiter votre cœur. Action !

Waarom kostuumdrama’s onze schermen overspoelen

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